Vera Lucia de Oliveira intervista Antonella Anedda

Antonella Anedda (Anedda-Angioy) è nata a Roma dove si è laureata in Storia dell’arte moderna. Il suo esordio letterario risale al 1992, anno in cui uscì la sua prima raccolta poetica, Residenze invernali (Milano, Crocetti, 1992) che la rivelò come una delle voci più originali e significative della nuova poesia italiana. Hanno fatto seguito la pubblicazione della raccolta di saggi e racconti Cosa sono gli anni (Roma, Fazi Editore, 1997), il volume di traduzioni poetiche Nomi distanti (Roma, Empiria, 1998) e la raccolta Notti di pace occidentali (Roma, Donzelli, 1999: Premio Montale 1999), il volume di saggi La luce delle cose (Milano, Feltrinelli, 2000). Ha tradotto nel 1994 l’antologia di poesie e prose di Philippe Jaccottet: Appunti per una semina e sempre di Phillippe Jaccottet le prose de La parola Russia, con in appendice versioni da Osip Mandel’stam, e dall’inglese un’antologia di prose e poesie di Anne Carson dal titolo Antropologia dell’acqua. A Notti di pace occidentale sono seguiti nel 2003 Il catalogo della gioia (Roma, Donzelli) nel 2007 Dal balcone del corpo (Milano, Mondadori) e nel 2012 Salva con nome (Milano, Mondadori) che ha vinto il Premio Viareggio. I suoi ultimi libri in prosa sono La vita dei dettagli (Roma, Donzelli, 2009), viaggio nei quadri attraverso i dettagli e Isolatria, viaggio nell’Arcipelago della Maddalena (Roma-Bari, Laterza, 2013). Nel 2014 la casa editrice inglese Bloodaxe pubblica un’antologia di poesie dal titolo Archipelago con la traduzione del poeta Jamie McKendrick.

Quando hai cominciato a scrivere? La scoperta della poesia è il risultato di un processo, o è avvenuta per rivelazione, per illuminazione?

Ho iniziato a scrivere presto, ma ho pubblicato le prime poesie tardi, dopo i trent’anni. La “scoperta della poesia” come tu la chiami è avvenuta attraverso la lettura verso i dodici, tredici anni di una poesia di Aleksandr Blok. Ricordo che quei versi “Ha portato il vento di lontano…” hanno avuto su di me l’effetto di uno spalancamento. C’era una porta tra il paesaggio esterno e quello interiore che a volte la poesia poteva aprire. C’era uno spazio con buone correnti dove mi potevo mettere come un uccello o un pesce. Al liceo ho letto i classici alla luce di questo spalancamento: l’aria che trema di claritate di Cavalcanti aveva alle spalle il Cantico del Pentateuco e davanti Blok.

Qual è il tuo percorso: che poeti hai letto e quali scrittori ti hanno segnato?

L’elenco è complicato e naturalmente cambia un po’ nel tempo. A caldo: Dante, Foscolo, Puskin, Hopkins, Mandel’štam, Cvetaeva, Kavafis, Gertrud Kolmar, Zbignew Herbert. Ho amato e amo moltissimo Cecov e Dostoevskij (tutto da L’Idiota ai Fratelli Karamazov) e Leskov e dei contemporanei mi piacciono Victor Pelevin e Ludmilla Ulickaja. Sulla scia di Blok ho letto subito dopo Guerra e Pace di Tolstoj e Le anime morte di Gogol. Ero giovane, ma credo che questa lettura mi abbia dato la misura del respiro, l’importanza che ha nella scrittura l’ampiezza. Da allora non temo la solitudine: mi basta aprire un romanzo… Però ci sono molti altri scrittori non solo poeti o romanzieri che penso mi abbiano segnato: Flaubert, Proust, Beckett (per il quale ho un vero e proprio culto), Kierkegaard, Wallace Stevens e Marianne Moore, Paul Klee, gli scritti di Mondrian. Fra i poeti contemporanei è stato importantissimo Philippe Jaccottet per la poesia francese e Anne Carson per la poesia e la prosa in inglese.

Non amo molto la poesia confessionale americana. Ci sono tre autrici il cui nome inizia con E che prediligo: Emily Bronte, Emily Dickinson, Elizabeth Bishop (che infatti prende le distanze dalla poesia confessionale).

Hai affermato che la poesia sostituisce talvolta una stretta di mano, che è un atto di comunicazione, un ritrovarsi con l’altro. Ma il poeta è solo quando scrive e spesso è solo perché non può stare dove si compiono i riti della volgarizzazione della vita e anche della morte. La solitudine è una condizione e la poesia è il ponte per uscirne?

“La poesia come una stretta di mano” è un’affermazione di Paul Celan, altro poeta per me importante che mancava all’elenco. Questo però non esclude la solitudine che è una condizione non necessariamente negativa, almeno per me. Anzi.

Il “nome è anche raggiungere se stessi”, hai scritto in una poesia. Ma allo stesso tempo conviviamo con l’appiattimento della lingua, con nomi che non significano, che non riportano più né alle cose né agli esseri, talmente sono logori e generici. Può il poeta, da solo, reinaugurare la lingua, rifondare un nuovo rapporto fra il nome e le cose?

Il verso “se nome è anche raggiungere se stessi” mi è stato suggerito da una riflessione di Giacoma Limentani nel suo libro Il Midrash, quando nota che in ebraico “Shem” (nome) e “Sham” (luogo, ma nel senso di andare verso un luogo, moto a luogo) hanno la stessa radice. Raggiungere il proprio nome come se fosse un luogo è mettersi in cammino verso se stessi, non solo diventare se stessi, ma smettere di essere ciò che si era, accettando di attraversare la propria aridità, il proprio deserto. Non penso però che il poeta debba o possa “rifondare un nuovo rapporto tra il nome e le cose”. Le cose sono qui e le parole possono essere logore, anzi “logoro” è una parola molto bella. L’importante è provare a non essere generici, ma questo è un problema di attenzione, di sforzo. C’è la tentazione a volte di lasciar perdere, di abbandonarsi al suono della propria poesia, alla genericità (che è anche abilità).

In un verso hai scritto: “dai forma al buio”. È quello che resta al poeta di oggi? Perscrutare, modellare, ordinare il buio?

Intendevo proprio un gesto concreto. Plasmare il buio come una materia, come si fa nella scultura. Alla poesia “restano” in realtà molte cose, ma le fa guardando, pensando, ascoltando e scrivendo e riscrivendo.

Ogni poeta ha un concetto di poesia e ne dà una sua definizione. Per te che cos’è la poesia?

Una cosa terrena, un dono e un lavoro, provando ad andare avanti e invece magari tornando indietro. Insomma un fare molto precario, come la vita.

Scrivi spesso? Lo fai metodicamente, come tanti poeti? O per te la poesia è quel lampo, quell’illuminazione che avvolge e coinvolge tutto l’essere nel momento del suo manifestarsi?

Non, non scrivo spesso, soprattutto a tavolino. Leggo e appunto qualche verso sui libri alla fine delle pagine. A un certo punto, a volte c’è non “un lampo”, ma un fuoco che si accende e poi si spegne. Allora lo seguo e divento metodica. Oppure in certi periodi sono così metodica che accendo con i miei rami quel fuocherello.

Come vedi la poesia italiana del secolo appena trascorso? Ci puoi tracciare un breve panorama?

Non sono in grado di tracciare un panorama o una mappa: il Novecento italiano è una terra sterminata, mi sembra però che sia fra i coetanei che fra i più giovani ci siano molte brave poetesse e molti bravi poeti. L’elenco sarebbe lungo, ma comprenderebbe orientamenti diversi senza recinti di scuole. M’interessa moltissimo la poesia dialettale, la leggo come leggerei una poesia straniera, ma forse essendo di origini sardo-corse leggo anche gli italiani così.

(l’intervista è una redazione aggiornata di quella apparsa nella Revista da APIESP – Associação de Professores de Italiano do Estado de São Paulo, Insieme, n.8, San Paolo, Brasile, 2001, pp.71-73)

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L'autore

Vera Lucia de Oliveira: Vera Lúcia de Oliveira è professore associato di Letterature Portoghese e Brasiliana all’Università degli Studi di Perugia. Ha diversi libri di poesia e saggi e ha partecipato ad antologie poetiche in vari paesi. Scrive in portoghese e in italiano e ha ricevuto prestigiosi premi letterari sia in Italia che in Brasile. Fra i saggi, citiamo Poesia, mito e história no modernismo brasileiro, São Paulo, Editora UNESP, 2015; Storie nella storia: Le parabole di Guimarães Rosa, Lecce, Pensa Multimedia, 2006; Narrativas brasileiras contemporâneas em foco (con Eunice P. Vial) Editora da Universidade Federal de Santa Maria, 2012. Ha tradotto e curato antologie poetiche di Lêdo Ivo, Carlos Nejar e Nuno Júdice. sito: http://www.veraluciadeoliveira.it